BARRY FLANAGAN
On the other hand
23 January – 28 February 2026
Opening: Friday, 23 January, 6 – 8pm
Press Release
Galerie Max Hetzler, Berlin, is pleased to present On the other hand, a solo exhibition of works by Barry Flanagan, at Bleibtreustraße 45. This is the third presentation of the artist’s work at the gallery.
Working across a range of media and styles for more than fifty years, British sculptor Barry Flanagan took great interest in the materiality of his works. Anything from industrial sand to cloth, stone, sheet metal, and bronze could become sculptural form. This exhibition highlights his intensive engagement with different materials, which he considered to be of equal importance, free from hierarchy. The focus lies on his use of four different materials in particular, and on the range of scale in his works, from stone carvings to sheet metal, and tiny ceramic ‘pinch pots’ to monumental bronzes. The title of the exhibition refers to a turn of speech often used by Flanagan, inherited from his father. He described it as having an effect like boxing, which suited his elliptical, mysterious, unpredictable, and often funny use of language: ‘On the other hand / Art still / thinks it’s / special’.1
The stone carvings, dating from 1973 until the mid 1980s, are the earliest works in the exhibition. Already, these works mark a departure from the pieces of the late sixties and early seventies which were often made of ‘soft materials’ such as rope, hessian, or projected light frames across space. If the earlier works referred to the context of pristine gallery environments and were understood through perambulation, the stone carvings are to be considered for their three-dimensionality and mass. Flanagan’s treatment of stone attends closely to its special material properties; his use of different coloured stones varies as much as his choice to use found or carefully selected stones. Weighty and earthbound, the carvings embody the material they are made of: their ratio of weight to mass is altogether higher than that of the average object. Most of the sculptures are dominated by the horizontal line which reaffirms their heavy materiality. Formally the works range from very simple mark-making, such as the engraved line on found limestone in stone carving, 1973, to the fully realised shapes of spirals and symbols in Her warm tit rolls, 1981. Flanagan developed his titles through an absorption of concrete poetry, using tautology and rhythm. Sound was important in his practice, and the title of this latter work is intended to be both sexually suggestive and amusing. The shapes and twists were carved into the marble by a stone carver in Pietrasanta, Italy with meticulous adherence to Flanagan’s clay maquette of the work.
Around the same time, Flanagan created the small sheet metal ‘snoot’ series, with the works in the exhibition dating from 1978 to the mid 1980s. These small objects, cut and sometimes painted, show Flanagan’s love of shapes and mythology. Spirals, triangles and circles echo ancient organic or animalic symbolisms. The spiral could be ammonite, or cochlea, or scroll, or helix. Iconography is rather subsidiary. The metal disc at the centre of several of the metal projections, which unrolls in an unfussy way like an ‘apostrophe’, is one example of this. In the yellow painted steel of VII 78 the corn's up, 1978, a spiral grows skyward forming a curious object which is almost cultic to look at. In the use of these symbols, we observe Flanagan’s interest in Pataphysics, a ‘science of imaginary solutions’, which he discovered in 1960. The concept was coined by Alfred Jarry, the French author of the play Ubu Roi (1896), and provided a framework for Flanagan’s art, informing his playful, absurd, and experimental approach to sculpture.
A large number of ceramic pinch pots, from around 1992, are also presented. These tiny, curious objects were made by Flangan in his everyday studio practice. Produced from ancient times to the present day, a pinch pot is a simple and basic method of pottery-making, in which a ball of clay is pinched, pressed and shaped into a round vessel or bowl using the thumb and fingers. This process does not require any special tools or a potter’s wheel. Declaring all materials art, the artist’s hand leaves its residual mark, in a humble yet personal gesture. The repetition and seriality, which defines so much of Flangan’s work is exemplified in the pinch pots.
After his Minimalist practice of the 1960s and 1970s, Flanagan’s investigations expanded into figuration in 1979, and in later life he became best known for his bronze statues of biomorphic forms alluding to animals, human figures and mythological creatures, especially after 1982, when he represented Britain at the Venice Biennale. The hare, with its mythological nature and symbolism of unpredictability, resurrection and renewal, fitted particularly well into his oeuvre. There is contradiction in the depiction of a creature defined by speed and transience, by casting it in a material which is known for its solidity and permanence. This is emphasised by the monumental size of many of the bronzes, which represent the largest works in the exhibition.
Flanagan often incorporated plinths of different materials into the works themselves, with his hares standing or sitting on them as if to emphasise their human-like nature. Ball and Claw, 1981, highlights this interplay of materials by referencing sculptures made in classical antiquity and the Renaissance period. The artist draws attention to the plinth’s functionality by reclaiming it as a sculptural component with a carved claw. Belying their heavy materiality, the bronze hares look curiously weightless, leaping gracefully, boxing or sitting pensively, in the instance of Thinker on Rock +x, 1997, which is installed on the large balcony of the gallery, in allusion to Auguste Rodin's Le Penseur, 1904. In Pirate Wheel, 2005, Flanagan makes humorous reference to Marcel Duchamp’s Bicycle Wheel, 1913, which comprised an upturned wheel attached to a wooden stool, and is credited as his first readymade. The spiralling wheel was an essential feature of the original work and points to both artists’ shared interest in pataphysics. In reconstructing Duchamp’s artwork and casting it in bronze, Flanagan creates an objective copy, in which the tyre tracks and manufacturing details are retained. He then transforms the work into a stand for a hare, sculpted with his own hands, evident through the indexical mark of his thumbprints.
Through his avant-garde use of materials, Flanagan binds together elements of language, poetry, references to pataphysics, and art historical lineage. His work with sheet metal and later cast bronze allowed him to make both direct marks by cutting and bending, as well as indirectly by casting bronze. The symbolism of the spiral, which moves clockwise and anticlockwise simultaneously, is also manifested though material existence. It is found in our thumbprint as well as in snails and other molluscs, and their fossils in mineralogy and geology. Clay, stones and rocks have their own characteristics that needed to be seen as such, aided and assisted through the artists’ hand and eye, enabling the beholder’s perceptual encounter with the material itself, rather than imposing a new logic.
1 B. Flanagan, ‘SCRIPT’, in Art Spectrum London, exh. cat. Alexandra Palace, London; London: Arts Council, 1971.
Barry Flanagan (1941–2009) was born in Prestatyn, North Wales. The artist lived and worked in London and Dublin, and died in Santa Eulalia del Río, Ibiza, Spain. Flanagan’s work has been internationally exhibited in institutions and public spaces including Hotel du Cap-Eden-Roc, Antibes; Ruthin Craft Centre (both 2025); Ikon Gallery, Birmingham (2019); Kröller-Müller Museum, Otterlo (2018); Tate Britain, London (2016 and 2011); Chatsworth House, Derbyshire (2012); Vero Beach Museum of Art, Florida (2008); Irish Museum of Modern Art, Dublin, and Dublin City Gallery The Hugh Lane (2006); S.M.A.K. (2005); Kunsthalle Recklinghausen; Musée d’art Moderne et d’art Contemporain, Nice (both 2002); Tate Liverpool (2000); Grant Park, Chicago (1996); 54th to 59th Street, New York; University of Iowa Museum of Art (both 1995); Musée des Beaux-Arts de Nantes (1993); Yorkshire Sculpture Park, Wakefield (1992); Tate Gallery, London (1986); Centre Georges Pompidou, Paris (1983); Whitechapel Art Gallery, London (1982); Institute of Contemporary Arts, London (1981); Van Abbemuseum, Eindhoven; Serpentine Gallery, London (both 1977); and The Museum of Modern Art, New York (1974), among others. The artist represented Britain at the 40th Venice Biennale in 1982.
Flanagan’s works are in the collections of the Art Institute of Chicago; Bibliothèque Nationale de France, Paris; Centre Pompidou, Paris; Collection Société Générale, Paris; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.; Irish Museum of Modern Art, Dublin; Kunsthaus Zürich; The Museum of Modern Art, New York; National Gallery of Victoria, Melbourne; National Museum Cardiff, National Museums and Galleries of Wales; Peggy Guggenheim Collection, Venice; San Francisco Museum of Modern Art; Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh; Solomon R Guggenheim Museum, New York; Staatsgalerie Stuttgart; Stedelijk Museum Voor Actuele Kunst, Amsterdam; Tate, London; Tokyo Metropolitan Art Museum; Van Abbemuseum, Eindhoven; Victoria & Albert Museum, London; and Walker Art Center, Minneapolis, among others.
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Wir freuen uns, Sie auf On the other hand, eine Einzelaustellung mit Werken von Barry Flanagan in der Galerie Max Hetzler in der Bleibtreustraße 45 hinzuweisen. Es ist die dritte Ausstellung des Künstlers mit der Galerie.
Über einen Zeitraum von mehr als fünfzig Jahren arbeitete der britische Bildhauer Barry Flanagan in einer Vielzahl von Medien und Stilen und zeigte dabei ein großes Interesse an der Materialität seiner Werke. Alles, von Industriesand über Stoff, Stein, Blech bis hin zu Bronze, konnte skulpturale Form annehmen. Die Ausstellung rückt Flanagans intensive Auseinandersetzung mit unterschiedlichen Materialien in den Fokus, die er ohne Hierarchie als gleichwertig betrachtete. Besonderes Augenmerk liegt auf vier Materialien, die er besonders häufig einsetzte, sowie auf der Skalierung seiner Arbeiten – von Steinskulpturen über Blecharbeiten bis hin zu winzigen Keramik- ‚Pinch Pots' und monumentalen Bronzen. Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf eine Redewendung, die Flanagan oft verwendete und von seinem Vater übernommen hatte. Er beschrieb sie als wirkungsvoll wie ein Boxschlag – passend zu seiner elliptischen, rätselhaften, unvorhersehbaren und oft humorvollen Sprachweise: ‚Andererseits / denkt die Kunst / immer noch / sie sei / etwas Besonderes‘.1
Die Steinbildhauereien, die von 1973 bis Mitte der 1980er Jahre entstanden sind, zählen zu den frühesten Werken der Ausstellung. Schon hier zeigen sich Abweichungen von den Arbeiten der späten 1960er und frühen 1970er Jahre, die häufig aus weichen Materialien wie Seilen, Jute oder räumlich projizierten Lichtkonstruktionen bestanden. Während sich die früheren Arbeiten auf den Kontext makelloser Galerieräume bezogen und über Begehung verstanden wurden, sind die Steinbildhauereien vor allem für ihre Dreidimensionalität und Masse zu beachten. Flanagans Umgang mit Stein orientiert sich eng an dessen besonderen Materialeigenschaften; der Einsatz verschiedenfarbiger Steine ist ebenso variabel wie die Entscheidung, gefundenes oder gezielt ausgewähltes Material zu verwenden. Schwer und erdverbunden verkörpern die Skulpturen das Material, aus dem sie geschaffen sind: Für ihre Größe wirken die Objekte überraschend schwer, was ihre materielle Präsenz unmittelbar spürbar macht. Die meisten Arbeiten werden von der Horizontalen dominiert, was ihre schwere Materialität zusätzlich betont. Formal reicht die Bandbreite von sehr einfachen Markierungen, wie der gravierten Linie auf gefundenem Kalkstein (Stone Carving, 1973), bis hin zu den vollständig ausgebildeten Formen von Spiralen und Symbolen in Her Warm Tit Rolls, 1981. Flanagan entwickelte seine Titel unter Einfluss der konkreten Poesie, wobei er Tautologie und Rhythmus einsetzte. Klang spielte in seiner Praxis eine wichtige Rolle, und der Titel der letztgenannten Arbeit ist sowohl sexuell anspielend als auch humorvoll gemeint. Die Formen und Drehungen wurden von einem Steinbildhauer in Pietrasanta, Italien, sorgfältig in Marmor übertragen, wobei er Flanagans Tonmodell der Arbeit exakt folgte.
Etwa zur selben Zeit schuf Flanagan eine kleine Serie sogenannter ‚Snoots‘ aus Blech. Die in der Ausstellung gezeigten Werke dieser Serie entstanden zwischen 1978 und Mitte der 1980er Jahre. Diese kleinen Objekte, zugeschnitten und teils bemalt, zeigen Flanagans Liebe zu Formen und Mythologie. Spiralen, Dreiecke und Kreise spiegeln alte organische oder tierische Symboliken wider. Die Spirale kann als Ammonit, Cochlea, Schriftrolle oder Helix gelesen werden. Die Ikonographie ist eher nebensächlich. Ein Beispiel dafür ist die Metallscheibe im Zentrum mehrerer Metallprojektionen, die sich auf unprätentiöse Weise wie ein Apostroph entfaltet. Im gelb lackierten Stahl von VII 78 the corn's up, 1978 wächst eine Spirale himmelwärts und bildet ein kurioses Objekt, das fast kultisch wirkt. In der Verwendung dieser Symbole zeigt sich Flanagans Interesse an der ‘Pataphysik, einer ‚Wissenschaft der imaginären Lösungen‘, die er 1960 entdeckte. Das Konzept wurde von Alfred Jarry, dem französischen Autor des Stücks Ubu Roi, 1896, geprägt und bot Flanagan einen Rahmen für seine Kunst, der seinen spielerischen, absurden und experimentellen Ansatz in der Bildhauerei beeinflusste.
Eine große Anzahl keramischer Pinch Pots, alle um 1992 entstanden, werden ebenfalls präsentiert. Diese kleinen, eigentümlichen Objekte entstanden in Flanagans alltäglicher Atelierpraxis. Ein Daumenschälchen ist eine seit der Antike bis heute gebräuchliche, einfache Methode der Töpferei, bei der ein Tonball mit Daumen und Fingern geformt, gedrückt und zu einem runden Gefäß oder einer Schale gestaltet wird. Für diesen Vorgang sind weder spezielle Werkzeuge noch eine Töpferscheibe erforderlich. Alle Materialien werden zu Kunst erklärt; die Hand des Künstlers hinterlässt ihre Spuren in einer zugleich bescheidenen und persönlichen Geste. Die Pinch Pots veranschaulichen beispielhaft die Wiederholung und Serialität, die für Flanagans Werk so charakteristisch sind.
Nachdem er sich in den 1960er und 1970er Jahren mit dem Minimalismus beschäftigt hatte, weitete Flanagan 1979 seine Untersuchungen auf die Figuration aus. Später wurde er vor allem für seine Bronzestatuen biomorpher Formen bekannt, die auf Tiere, menschliche Figuren und mythologische Wesen verweisen – besonders nach 1982, als er Großbritannien auf der Biennale in Venedig vertrat. Der Hase passte mit seiner mythologischen Bedeutung und Symbolik von Unberechenbarkeit, Wiederauferstehung und Erneuerung besonders gut in sein Werk. In der Darstellung eines Wesens, das für Geschwindigkeit und Vergänglichkeit steht, durch die Wahl eines Materials, das für seine Solidität und Beständigkeit bekannt ist, liegt eine bewusste Spannung. Diese wird durch die monumentale Größe vieler Bronzearbeiten in der Ausstellung zusätzlich betont.
Flanagan integrierte häufig Sockel aus unterschiedlichen Materialien in seine Werke, wobei seine Hasen darauf standen oder saßen, als wolle er ihre menschenähnliche Natur betonen. Ball and Claw, 1981, verdeutlicht dieses Zusammenspiel der Materialien und nimmt auf Skulpturen der klassischen Antike und der Renaissance Bezug. Der Künstler lenkt die Aufmerksamkeit auf die Funktionalität des Sockels, indem er ihn als eigenständiges skulpturales Element mit einer geschnitzten Klaue versieht. Trotz ihres massiven Materials wirken die Bronzehasen überraschend schwerelos; sie springen anmutig, boxen oder sitzen nachdenklich, wie etwa in Thinker on Rock + x, 1997, das auf dem großen Balkon der Galerie installiert ist und auf Auguste Rodins Denker, 1904, verweist. In Pirate Wheel, 2005, spielt Flanagan humorvoll auf Marcel Duchamps Bicycle Wheel, 1913, an, das aus einem umgedrehten Rad auf einem Holzschemel besteht und als erstes Readymade des Künstlers gilt. Das sich drehende Rad ist ein wesentliches Element des Originalwerks und verweist auf das gemeinsame Interesse beider Künstler an der ‘Pataphysik. Durch die Rekonstruktion von Duchamps Werk und die Bronzeguss-Ausführung schafft Flanagan eine exakte Kopie, in der Reifenspuren und Herstellungsdetails erhalten bleiben. Anschließend verwandelt er das Werk in einen Sockel für einen Hasen, den er mit seinen eigenen Händen modelliert hat, erkennbar an den Fingerabdrücken auf der Oberfläche.
Durch seinen avantgardistischen Umgang mit Materialien verbindet Flanagan Sprache, Poesie, Verweise auf die ‘Pataphysik und kunsthistorische Bezüge. Seine Arbeit mit Blech und später mit Bronze ermöglichte es ihm, sowohl direkte Spuren durch Schneiden und Biegen als auch indirekte durch den Bronzeguss zu hinterlassen. Die Symbolik der Spirale, die gleichzeitig im und gegen den Uhrzeigersinn verläuft, tritt ebenso durch ihre materielle Präsenz hervor. Sie findet sich in unserem Fingerabdruck ebenso wie bei Schnecken und anderen Weichtieren sowie in deren Fossilien in Mineralogie und Geologie. Ton, Steine und Felsen besitzen eigene Eigenschaften, die es zu erkennen gilt. Unterstützt durch die Hand und das Auge des Künstlers, ermöglicht dies dem Betrachter eine unmittelbare Wahrnehmung des Materials selbst, ohne dass eine neue Logik aufgezwungen wird.
1 B. Flanagan, ‘SCRIPT’, in Art Spectrum London, Ausst. kat.. Alexandra Palace, London; London: Arts Council, 1971.
Barry Flanagan (1941–2009) wurde in Prestatyn, Nordwales, geboren. Der Künstler lebte und arbeitete in London und Dublin und starb in Santa Eulalia del Río, Ibiza, Spanien. Flanagans Arbeiten wurden international in Institutionen und öffentlichen Räumen ausgestellt, darunter Hotel du Cap‑Eden‑Roc, Antibes; Ruthin Craft Centre (beide 2025); Ikon Gallery, Birmingham (2019); Kröller‑Müller Museum, Otterlo (2018); Tate Britain, London (2016 und 2011); Chatsworth House, Derbyshire (2012); Vero Beach Museum of Art, Florida (2008); Irish Museum of Modern Art, Dublin; Dublin City Gallery The Hugh Lane (beide 2006); S.M.A.K. (2005); Kunsthalle Recklinghausen; Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain, Nizza (beide 2002); Tate Liverpool (2000); Grant Park, Chicago (1996); 54th to 59th Street, New York; University of Iowa Museum of Art (beide 1995); Musée des Beaux-Arts de Nantes (1993); Yorkshire Sculpture Park, Wakefield (1992); Tate, London (1986); Centre Georges Pompidou, Paris (1983); Whitechapel Art Gallery, London (1982); Institute of Contemporary Arts, London (1981); Van Abbemuseum, Eindhoven; Serpentine Gallery, London (beide 1977); und The Museum of Modern Art, New York (1974). Der Künstler vertrat Großbritannien auf der 40. Biennale in Venedig 1982.
Flanagans Werke befinden sich in den Sammlungen des Art Institute of Chicago; Bibliothèque Nationale de France, Paris; Centre Pompidou, Paris; Collection Société Générale, Paris; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.; Irish Museum of Modern Art, Dublin; Kunsthaus Zürich; The Museum of Modern Art, New York; National Gallery of Victoria, Melbourne; National Museum Cardiff; Peggy Guggenheim Collection, Venedig; San Francisco Museum of Modern Art; Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Staatsgalerie Stuttgart; Stedelijk Museum, Amsterdam; Tate, London; Tokyo Metropolitan Art Museum; Van Abbemuseum, Eindhoven; Victoria & Albert Museum, London; und Walker Art Center, Minneapolis, unter anderem.
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