THE SELF ASSESSED
Rita Ackermann, Lorenzo Amos, Oliver Bak, Georg Baselitz, Giorgio de Chirico, Michaela Eichwald, Tracey Emin, Grant Falardeau, Eric Fischl, Nathanaëlle Herbelin, Martin Kippenberger, Jeff Koons, Maria Lassnig, Victor Man, Paula Modersohn-Becker, Bruce Nauman, Albert Oehlen, Dana Schutz, Cindy Sherman, Rudolf Stingel, Thomas Struth, Rebecca Warren
curated by Cornelius Tittel
30 April – 30 May 2026
Opening: Thursday, 30 April, 6 – 8pm
Press Release
Galerie Max Hetzler is pleased to present The Self Assessed, an exhibition of self-portraits curated by Cornelius Tittel, at Potsdamer Straße 77-87 in Berlin.
‘The most fascinating surface on earth is that of the human face.’1
Art has never ceased to be captivated by this observation, which Georg Christoph Lichtenberg recorded in his notebooks with the elegance of an aphorism. For this surface is never neutral. It is a screen for projection, a setting, a stage – a field of tension where art and society come into closest contact. This is precisely where the exhibition The Self Assessed unfolds – curated by Cornelius Tittel, who unites an impressive list of artists that reflects his ten years as editor-in-chief at Blau International.
The history of the self-portrait can be read as a history of such constructions: it assigns the individual a place, as a bearer of meaning, as a role made visible, as a figure within an order that is either affirmed or called into question in the image. Only when this convention begins to crumble does the yardstick shift. What matters is no longer resemblance, but the intensity of the appearance, the painterly gesture, the degree of presence. In the self-portrait, this movement condenses into a paradoxical core. Here, gaze and counter-gaze coincide and yet remain irreconcilable. Anyone who depicts themselves attempts to grasp an ‘I’ that eludes all grasp. The self-portrait is not a mirror in the naive sense, but an experiment: analysis and staging at the same time. In it, the self tips over into the foreign; the face becomes form, becomes figure, becomes a silent surface. This shift runs through the exhibition as a subtle, unyielding line.
In Paula Modersohn-Becker’s work, the self-portrait becomes a site of radical artistic self-assertion. She faces the viewer with an unwavering gaze; her painting style is uncompromisingly modern, her claim clear: not to be a likeness, but a counterpart. In its directness, the painting recalls Rembrandt’s self-portraits and is thus at the same time a harbinger of a subjectivity that can no longer be categorised. From here, the exhibition spans the 20th and 21st centuries. Giorgio de Chirico stages himself in shifting roles – as an old master, as a historical reference, as his own caricature. Through his travesties, he subverts the notion of a stable self and opens up a space in which identity becomes a performative gesture. This movement finds its logical continuation in the work of Cindy Sherman: her face transforms into a variable surface; identity appears as an effect of representation.
Simultaneously, the self shifts from the image into the sphere of action. Bruce Nauman replaces representation with presence – the self unfolds in the act of creation. Martin Kippenberger takes this movement to extremes, rendering it fragile; Georg Baselitz transforms it into an almost austere rigour, in which body, space and image become coordinates of an existential self-inquiry. This exploration continues within painting itself, yet the strategies differ fundamentally. Albert Oehlen deconstructs and reconstructs painterly identity, whilst Rudolf Stingel transforms surfaces into repositories of time and touch. Oliver Bak and Victor Man unveil fragile, often dark pictorial spaces; here the self appears as both a psychological and a social locus. Lorenzo Amos reveals the walls of his studio, marked by the traces of a life lived – and so his image turns into a double self-portrait, at once a reflection of space and of existence. Eric Fischl and Dana Schutz work with narrative constellations of great atmospheric density. Maria Lassnig engages in a radical introspection of bodily sensation, whilst Tracey Emin opts for unguarded, immediate self-revelation. Alongside these painterly positions, other media come into focus. Thomas Struth reflects on the act of seeing, whilst Jeff Koons translates contemporary narcissism into smooth, mannerist surfaces in which the gaze and desire become entangled. Rebecca Warren fragments the body into sculptural traces, whilst Rita Ackermann and Grant Falardeau allow intimacy and memory to slip into fleeting visual states. Finally, in the works of Nathanaëlle Herbelin and Michaela Eichwald, this narrative is not continued but rather displaced. References emerge, only to dissolve again. Here, the self no longer appears as the source, but as an echo – as something that takes shape only in the reverberation of other images.
Thus, a dense web of gazes, reflections and shifts emerges. What is revealed within is not a fixed self, but a movement, an apparition that constantly reforms and eludes us in the very act of seeing. Perhaps, in the end, the self-portrait is less an image than a mirror. Yet this mirror reveals nothing that was there before. It reveals by transforming, and it transforms by drawing us into the image we believe we are seeing. What remains in the end is not the recognised self, but the experience of encountering ourselves anew in the foreign gaze that meets us from within the image.
Nils Emmerich, 2026
1 Georg Christoph Lichtenberg, Sudelbücher, p. 88.
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Galerie Max Hetzler
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Die Galerie Max Hetzler freut sich, The Self Assessed, eine von Cornelius Tittel kuratierte Ausstellung in der Potsdamer Straße 77-87 in Berlin, zu präsentieren.
‚Die unterhaltendste Fläche auf der Erde ist die vom menschlichen Gesicht.‘1
Was Georg Christoph Lichtenberg in seinen Sudelbüchern mit der Eleganz eines Aphorismus notiert, hat die Kunst nicht mehr losgelassen. Denn diese Fläche ist niemals neutral. Sie ist Projektionsfläche, Setzung, Inszenierung – ein Spannungsfeld, in dem sich Kunst und Gesellschaft aufs Engste berühren. Genau hier setzt die Ausstellung The Self Assessed an – kuratiert von Cornelius Tittel, der eine beeindruckende Künstlerliste zusammengeführt hat, die auch seine zehn Jahre als Chefredakteur von Blau International reflektieren.
Die Geschichte des Selbstporträts lässt sich als Geschichte solcher Setzungen lesen: Sie weist dem Individuum einen Platz zu, als Träger von Bedeutung, als Bild gewordene Rolle, als Figur innerhalb einer Ordnung, die im Bild entweder bestätigt oder infrage gestellt wird. Erst als diese Übereinkunft brüchig wird, verschiebt sich der Maßstab. Nicht mehr die Ähnlichkeit entscheidet, sondern die Intensität der Erscheinung, die malerische Geste, das Maß an Gegenwart. Im Selbstporträt verdichtet sich diese Bewegung zu einem paradoxen Kern. Hier fallen Blick und Gegenblick zusammen und bleiben doch unvereinbar. Wer sich selbst darstellt, versucht ein Ich zu fassen, dass sich jedem Zugriff entzieht. Das Selbstbildnis ist kein Spiegel im naiven Sinne, sondern ein Experiment: Analyse und Inszenierung zugleich. In ihm kippt das Eigene ins Fremde, das Gesicht wird Form, wird Figur, wird stille Oberfläche. Diese Verschiebung zieht sich als feine, unnachgiebige Linie durch die Ausstellung.
Bei Paula Modersohn-Becker wird das Selbstporträt zum Ort radikaler künstlerischer Selbstbehauptung. Mit unbeirrbarem Blick tritt sie dem Betrachter entgegen; ihre Malweise ist kompromisslos modern, ihr Anspruch klar: nicht Abbild zu sein, sondern Gegenüber. In seiner Direktheit erinnert das Bild an Rembrandt Selbstporträts und ist damit zugleich ein Vorbote einer Subjektivität, die sich nicht mehr einordnen lässt. Von hier aus spannt die Ausstellung einen Bogen ins 20. und 21. Jahrhundert. Giorgio de Chirico inszeniert sich in wechselnden Rollen – als alter Meister, als historisches Zitat, als eigene Karikatur. Mit seinen Travestien unterläuft er die Vorstellung eines stabilen Selbst und eröffnet einen Raum, in dem Identität zur performativen Geste wird. Diese Bewegung findet bei Cindy Sherman ihre konsequente Fortsetzung: Ihr Gesicht verwandelt sich in eine variable Oberfläche, Identität erscheint als Effekt der Darstellung.
Parallel dazu verschiebt sich das Selbst aus dem Bild in den Handlungsraum. Bruce Nauman ersetzt Repräsentation durch Präsenz – das Selbst ereignet sich im Vollzug. Martin Kippenberger treibt diese Bewegung ins Exzessive, ins Brüchige; Georg Baselitz überführt sie in eine beinahe vermessende Strenge, in der Körper, Raum und Bild zu Koordinaten einer existenziellen Selbstbefragung werden. In der Malerei selbst setzt sich diese Untersuchung fort, doch die Strategien unterscheiden sich grundlegend. Albert Oehlen zerlegt und rekonstruiert malerische Identität, während Rudolf Stingel Oberflächen in Speicher von Zeit und Berührung verwandelt. Oliver Bak und Victor Man öffnen fragile, oft dunkle Bildräume; hier erscheint das Selbst zugleich als psychischer und sozialer Ort. Lorenzo Amos legt die Wände seines Ateliers frei, gezeichnet von den Spuren eines gelebten Lebens – so wird sein Bild zu einem doppelten Selbstporträt, zugleich Spiegel des Raums und der Existenz. Eric Fischl und Dana Schutz arbeiten mit erzählerischen Konstellationen von großer atmosphärischer Dichte. Maria Lassnig betreibt eine radikale Innenschau des Körpergefühls, Tracey Emin wählt die ungeschützte, unmittelbare Selbstoffenbarung. Neben diesen malerischen Positionen treten andere Medien ins Blickfeld. Thomas Struth reflektiert den Akt des Sehens, Jeff Koons überführt den Narzissmus der Gegenwart in glatte, manieristische Oberflächen, in denen sich Blick und Begehren verfangen. Rebecca Warren fragmentiert den Körper in skulpturale Spuren, Rita Ackermann und Grant Falardeau lassen Intimität und Erinnerung in flüchtige Bildzustände gleiten. In den Arbeiten von Nathanaëlle Herbelin und Michaela Eichwald schließlich wird diese Geschichte nicht fortgeschrieben, sondern verschoben. Bezüge tauchen auf, lösen sich wieder. Das Selbst erscheint hier nicht mehr als Ursprung, sondern als Echo – als etwas, das sich nur im Widerhall anderer Bilder formt.
So entsteht ein dichtes Geflecht aus Blicken, Spiegelungen und Verschiebungen. Was sich darin zeigt, ist kein festes Selbst, sondern eine Bewegung, eine Erscheinung, die sich im Akt des Sehens immer wieder neu bildet und entzieht. Vielleicht ist das Selbstporträt am Ende weniger ein Bild als ein Spiegel. Doch dieser Spiegel gibt nichts preis, was vorher schon da gewesen wäre. Er zeigt, indem er verwandelt, und er verwandelt, indem er uns in das Bild hineinzieht, das wir zu sehen glauben. Am Ende steht nicht das erkannte Selbst, sondern die Erfahrung, sich im fremden Blick, der uns aus dem Bild entgegentritt, neu zu begegnen.
Nils Emmerich, 2026
1 Georg Christoph Lichtenberg, Sudelbücher, S. 88.
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