ANTHONY CARO
Oratorio, 1991–1992
15 September – 29 October 2022
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Press Release
Galerie Max Hetzler is pleased to present Anthony Caro: Six Decades, the first solo exhibition of works by Sir Anthony Caro (1924–2013) with the gallery, at Potsdamer Straße 77-87, in Berlin.
Over the course of six decades, Anthony Caro became internationally known as the preeminent British sculptor of his generation. He believed that it was the role of the artist to keep culture moving, resulting in an ever-evolving oeuvre, which saw the artist’s late work as surprising and fresh as his early abstract sculptures.
After a successful early career during the 1950s, Caro abandoned his figurative way of working, which he found limiting, and began making abstract sculptures in welded or bolted painted industrial steel, in the 1960s. This was inspired by a life-changing journey to the USA in 1959, where Caro met the sculptor David Smith, as well as painters such as Kenneth Noland and Helen Frankenthaler, among other New York and West Coast artists. These innovative works by Caro were placed directly on the ground, dispensing with the convention of presenting sculptures on plinths. They confronted the viewer immediately, producing a one-to-one encounter between viewer and object, which in turn supported Caro’s argument that sculpture is about the feeling of the body in space.
This exhibition presents 19 sculptures, in tandem with relief paper sculptures and additional figurative works on paper from the 1950s. These are followed up chronologically by the early, very light, almost weightless, abstract sculptures in painted industrial steel of the 1960s and 1970s. Also on show are the heavier and more voluminous, enclosing steel works of the 1980s and 1990s, as well as late works, which do not so much present solid forms in space, but rather create spaces that can be inhabited visually. Large free-standing sculptures are complemented by so-called ‘Table Pieces’, which Caro created throughout his career and in parallel to the large works. The climax of the exhibition is formed by one of his last sculptures Terminus, 2013, from the Perspex series.
During the first decades of his abstract work, Caro used a studio in the small garage at the side of his house. This enclosed space defined the scale of his sculptures, as Caro used the whole extent of the room, working very close to – almost within - the structures, and was only able to step back and view the works from afar once they were moved out of the studio. Caro had to rely on his instinct and his intelligence as an artist and interact closely with the metal. In addition to their bright colours, the works' evocative titles instilled a sense of joy, which had until then been mostly absent from earlier modernist sculpture associated with the so-called 'Geometry of Fear' in the 1950s. Works like First National, 1964, There, 1966, London, 1966, or Larry’s Land, 1970, attest to this.
In his quest to move sculpture forward, Caro sought new challenges, namely a different treatment of body and mass, whereby space was articulated in flat planes, as seen in Rondo, 1966–1976, or enclosed within curved shapes, as in Black Russian, 1984–1985. In addition to the inspiration of classical Greek sculpture, which he admired at the Parthenon, he was fascinated by Renaissance painting by Giotto and Duccio, as well as Modern artists, such as Cézanne and Picasso, with the latter’s work providing inspiration for Emma That, 1977. Music was also an important influence, clearly materialising in sculptures such as Oratorio, 1991–1992 and Up A Note, 2008–2009.
Caro’s fascination with architectural references grew and led to works which literally enclose space, throughout the 1980s and 1990s. For the viewer, who is unable to enter them, they carry a sense of something contained, reversing the open, linear forms seen in Caro’s earlier polychrome works. These later sculptures resemble shrines, closed-in on themselves. The logical next step was to create contained spaces which can actually be entered. By this point, Caro had become interested in working on an even larger scale. Still concerned with the body, his works from this period were less about what it feels like to occupy a body, but rather what the body feels like in relation to the sculptures, as can be seen in works such as Park Avenue Series: Morning Shadows, 2011–2012.
Caro's smaller ‘Table Pieces’, titled generically, explored the question of scale and the relationship between each sculpture and the surrounding space. They were conceived as works in their own right, not as maquettes, and deploy qualities unique to their more intimate scale. By refusing to stand still and constantly striving to reinvent the idea of sculpture, Caro created a magisterial body of work that remains fascinating to this day.
The exhibition has been curated by Paul Moorhouse, Chief Executive of the Anthony Caro Centre London, who said: 'During the 1960s, Anthony Caro redefined what sculpture was and – most importantly – could be. The exhibition at Galerie Max Hetzler reveals that, during a career that extended over six decades, Caro remained a restless innovator and, even in his late work, he continued to probe the boundaries of sculpture.'
Anthony Caro (1924–2013) lived and worked in London. The artist’s work has been exhibited in recent years in institutions including the Gemäldegalerie, Berlin; The National Trust Cliveden, Taplow (both 2019); Van Buuren Museum, Brussels; New Art Centre, Roche Court, Salisbury (both 2017); Art Gallery of Ontario, Toronto (2016); Yorkshire Sculpture Park, Wakefield (2015 and 2012); and the Henry Moore Institute, Leeds (2015). Further solo presentations have been held at important institutions worldwide, such as the Yale Center for British Art, New Haven (2012); The Metropolitan Museum of Art, New York (2011); The National Portrait Gallery, London (2008); Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valenica (2006); Tate Britain, London; Musée d’Orsay, Paris (both 2005); Seoul Museum of Art; Kunsthalle Würth, Schwäbisch Hall (both 2004); Fundacio Caixa Catalunya, Barcelona (2002); Museo de Bellas Artes, Bilbao (2001); 48th Venice Biennale (1999); The National Gallery, London (1998); French Institute of Thessaloniki; National Gallery, Athens (both 1997); Museum of Contemporary Art, Tokyo (1995); Mucsarnok Palace of Art, Budapest (1993); Tate Gallery, London (1991); Northern Centre for Contemporary Art, Sunderland (1987); Serpentine Gallery, London (1984); Tel Aviv Museum of Art (1977); The Museum of Modern Art, New York; Walker Art Center, Minneapolis; The Museum of Fine Arts Houston; The Museum of Fine Arts, Boston (all 1975); Hayward Gallery, London (1969); and Whitechapel Gallery, London (1963), among others.
Caro’s work is represented in public collections worldwide, including Art Gallery of New South Wales, Sydney; Art Gallery of Ontario, Toronto; Cleveland Museum of Art; Dallas Museum of Art; Fundació Antoni Tàpies, Barcelona; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, D.C.; Kunsthaus Zürich; Los Angeles County Museum of Arts; The Metropolitan Museum of Art, New York; Centre Pompidou, Paris; Museum Ludwig, Cologne; Museum of Contemporary Art, Tokyo; National Gallery of Victoria, Melbourne; National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul; Peggy Guggenheim Collection, Venice; Royal Academy of Arts, London; Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh; Tate, London; The British Council, London; The Museum of Modern Art, New York; Vancouver Art Gallery; and Victoria and Albert Museum, London, among others.
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Wir freuen uns, Sie auf Anthony Caro: Six Decades, die erste Einzelausstellung mit Werken von Sir Anthony Caro (1924–2013) in der Galerie Max Hetzler, in der Potsdamer Straße 77–87, in Berlin aufmerksam machen zu dürfen.
Über sechs Jahrzehnte hinweg wurde Anthony Caro international als der bedeutendste britische Bildhauer seiner Generation bekannt. Er vertrat die Ansicht, dass es die Aufgabe des Künstlers sei, die Kultur voranzutreiben. Daraus resultierte ein sich ständig weiterentwickelndes Oeuvre, in dem das Spätwerk des Künstlers ebenso überraschend und frisch ist wie seine frühen abstrakten Skulpturen.
Nach einer erfolgreichen frühen Karriere in den 1950er Jahren wandte sich Caro von seiner figurativen Arbeitsweise ab, die er als einschränkend empfand, und begann in den 1960er Jahren, abstrakte Skulpturen aus geschweißtem oder geschraubtem, lackiertem Industriestahl zu schaffen. Den Anstoß dazu gab eine inspirierende Reise in die USA im Jahr 1959, wo Caro den Bildhauer David Smith sowie MalerInnen wie Kenneth Noland und Helen Frankenthaler und andere New Yorker und Westküsten-KünstlerInnen kennenlernte. Die neuartigen Werke von Caro wurden direkt auf dem Boden platziert, anstatt der üblichen Präsentation von Skulpturen auf Sockeln. Sie konfrontierten die Betrachter unmittelbar und erzeugten eine direkte Begegnung zwischen Betrachter und Objekt, was wiederum Caros Auffassung entsprach, dass es bei der Skulptur um das Gefühl des Körpers im Raum geht.
In dieser Ausstellung werden 19 Skulpturen mit Reliefplastiken aus Papier sowie mit zusätzlichen figurativen Arbeiten auf Papier aus den 1950er Jahren kombiniert. Auf diese folgen die frühen, sehr leichten, fast schwerelos wirkenden, abstrakten Skulpturen aus lackiertem Industriestahl der 1960er und 1970er Jahre. Zu sehen sind auch die schwereren und voluminöseren, umschließenden Stahlarbeiten der 1980er und 1990er Jahre sowie späte Werke, die weniger feste Formen im Raum präsentieren, sondern vielmehr Räume schaffen, die visuell bewohnt werden können. Die freistehenden Großskulpturen werden ergänzt durch so genannte "Table Pieces", die Caro im Laufe seiner Karriere und parallel zu den großen Werken geschaffen hat. Den Höhepunkt der Ausstellung bildet eine seiner letzten Skulpturen, Terminus, 2013, aus der Perspex-Serie.
In den ersten Jahrzehnten seines abstrakten Schaffens nutzte Caro ein Atelier in der recht kleinen Garage neben seinem Haus. Dieser enge Raum bestimmte das Ausmaß seiner Skulpturen, denn Caro nutzte die gesamte Fläche des Raumes, arbeitete sehr nah an – fast innerhalb – der Strukturen. Er konnte nur zurücktreten und die Werke aus der Ferne betrachten, wenn sie aus dem Atelier herausgebracht wurden.
Caro musste sich auf seinen Instinkt und seinen Instinkt als Künstler verlassen und eng mit dem Metall interagieren. Neben ihren leuchtenden Farben wecken auch die aussagekräftigen Titel der Werke ein Gefühl der Freude, das bis dahin in den früheren modernistischen Skulpturen, die in den 1950er Jahren mit der "Geometrie der Angst" in Verbindung gebracht wurden, noch weitgehend fehlte. Werke wie First National, 1964, There, 1966, London, 1966, oder Larry's Land, 1970, zeugen davon.
In seinem Bestreben, die Bildhauerei voranzubringen, suchte Caro nach neuen Herausforderungen, insbesondere nach einem anderen Umgang von Körper und Masse. Dabei wurde der Raum in flachen Ebenen artikuliert, wie in Rondo, 1966–1976, oder in geschwungenen Formen eingeschlossen, wie in Black Russian, 1984-1985. Neben der Inspiration durch die klassische griechische Bildhauerei, die er am Parthenon bewunderte, war er von der Renaissance-Malerei von Giotto und Duccio sowie von modernen Künstlern wie Cézanne und Picasso fasziniert, wobei das Werk des letzteren die Inspiration für Emma That, 1977, lieferte. Auch die Musik war ein wichtiger Einfluss, der sich in Skulpturen wie Oratorio, 1991–1992 und Up A Note, 2008–2009, deutlich niederschlägt.
Caros Faszination für architektonische Referenzen wuchs und führte in den 1980er und 1990er Jahren zu Werken, die den Raum buchstäblich umschließen. Für den Betrachter, der sie nicht betreten kann, vermitteln sie das Gefühl von etwas Eingeschlossenem, das die offenen, linearen Formen von Caros früheren polychromen Werken umkehrt. Diese späteren Skulpturen ähneln Schreinen, die in sich selbst geschlossen sind. Der logische nächste Schritt bestand darin, geschlossene Räume zu schaffen, die tatsächlich betreten werden können. Zu diesem Zeitpunkt begann Caro sich für eine Arbeit in noch größerem Maßstab zu interessieren. Seine Arbeiten aus dieser Zeit beschäftigen sich zwar immer noch mit dem Körper, doch geht es weniger darum, wie es sich anfühlt einen Körper zu besitzen, sondern vielmehr darum, wie er sich in Bezug auf die Skulpturen anfühlt, wie man in Werken wie Park Avenue Series: Morning Shadows, 2011–2012 sehen kann.
Caros kleinere "Table Pieces", die einen generischen Titel tragen, befassten sich mit der Frage des Maßstabs und der Beziehung zwischen den einzelnen Skulpturen und dem sie umgebenden Raum. Sie wurden als eigenständige Werke und nicht als Vorlagen konzipiert und entfalten in ihrer intimeren Größe einzigartige Qualitäten. Indem er sich weigerte, stillzustehen und ständig danach strebte, die Idee der Skulptur neu zu erfinden, schuf Caro ein meisterhaftes Werk, das auch heute noch fasziniert.
Die Ausstellung wurde von Paul Moorhouse, dem Geschäftsführer des Anthony Caro Centre London, kuratiert: "In den 1960er Jahren definierte Anthony Caro neu, was Bildhauerei ist und – was noch wichtiger ist – sein kann. Die Ausstellung in der Galerie Max Hetzler zeigt, dass Caro während seiner sechs Jahrzehnte währenden Karriere ein rastloser Innovator blieb und selbst in seinem Spätwerk die Grenzen der Bildhauerei weiter auslotete.„
Ergänzend zur Ausstellung in der Potsdamer Straße wird in der Fenstergalerie in der Goethestraße 2/3 die schwarz-weiß gefasste Messingskulptur Oratorio, 1991–1992, von Anthony Caro gezeigt.
Anthony Caro (1924–2013) lebte und arbeitete in London. Das Werk des Künstlers wurde in den letzten Jahren in Institutionen wie der Gemäldegalerie, Berlin, dem National Trust Cliveden, Taplow (beide 2019), dem Van Buuren Museum, Brüssel, dem New Art Centre, Roche Court, Salisbury (beide 2017), der Art Gallery of Ontario, Toronto (2016), dem Yorkshire Sculpture Park, Wakefield (2015 und 2012) und dem Henry Moore Institute, Leeds (2015) ausgestellt. Weitere Einzelpräsentationen fanden in wichtigen Institutionen weltweit statt, wie dem Yale Center for British Art, New Haven (2012); The Metropolitan Museum of Art, New York (2011); The National Portrait Gallery, London (2008); Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valenica (2006); Tate Britain, London; Musée d'Orsay, Paris (beide 2005); Seoul Museum of Art; Kunsthalle Würth, Schwäbisch Hall (beide 2004); Fundacio Caixa Catalunya, Barcelona (2002); Museo de Bellas Artes, Bilbao (2001); 48. Biennale Venedig (1999); The National Gallery, London (1998); Französisches Institut, Thessaloniki; Nationalgalerie, Athen (beide 1997); Museum für zeitgenössische Kunst, Tokio (1995); Mucsarnok Palace of Art, Budapest (1993); Tate Gallery, London (1991); Northern Centre for Contemporary Art, Sunderland (1987); Serpentine Gallery, London (1984); Tel Aviv Museum of Art (1977); The Museum of Modern Art, New York; Walker Art Center, Minneapolis; The Museum of Fine Arts Houston; The Museum of Fine Arts, Boston (alle 1975); Hayward Gallery, London (1969); und Whitechapel Gallery, London (1963), um nur einige zu nennen.
Caros Werke sind weltweit in öffentlichen Sammlungen vertreten, darunter die Art Gallery of New South Wales, Sydney; die Art Gallery of Ontario, Toronto; das Cleveland Museum of Art; das Dallas Museum of Art; die Fundació Antoni Tàpies, Barcelona; das Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, D.C. Kunsthaus Zürich; Los Angeles County Museum of Arts; The Metropolitan Museum of Art, New York; Centre Pompidou, Paris; Museum Ludwig, Köln; Museum für zeitgenössische Kunst, Tokio; National Gallery of Victoria, Melbourne; National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul; Peggy Guggenheim Collection, Venedig; Royal Academy of Arts, London; Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh; Tate, London; The British Council, London; The Museum of Modern Art, New York; Vancouver Art Gallery; und Victoria and Albert Museum, London sowie weiteren.
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